ARTE MODERNO: EL TATTO

EL TATTO COMO UN MEDIO ARTÍSTICO

Muchas personas en la actualidad ven este arte muy negativamente, por la forma en que las personas que son parte de este arte suelen manchar su cuerpo hasta llegar a un nivel de a tatuarlo totalmente, sin embargo el significado de ellos dependerá de la zona, forma, color, cantidad y tamaños de cada figura.

Además no podemos designar un significad a cada tatuaje que veamos en cada persona, ya que el significado dependerá de la historia o estado emocional con el que se encuentre él o ella. Aunque hay formas del cual las puedes interpretar como entendiendo el lugar en que está ubicado el dibujo, es decir que si está en el lado izquierdo se trata de alguien introvertido, en quien predominan sueños, deseos y temores; mientras si se dibuja en el lado derecho tiene ideas más claras, seguridad en quién es y le gusta dejarlo claro.

Y así continuando el delegado de los diferentes lugares donde las personas se tatúan, es importante preguntarnos ¿ los tatuajes es un arte o delincuencia?, podemos decir que la respuesta dependerá de la educación y de la cultura de la sociedad, porque para muchos puede ser muy bien visto y hasta tomarlo como un arte muy creativo.

Lastimosamente en nuestra sociedad este arte no es muy bien visto ya que las personas que han tatuado su cuerpo tienden a confundirlo con un delincuente, el cual rechazan y es mal visto. Ya que las personas creen que el tatto nace en las maras, cuando en realidad este término deriva de la palabra Ta del polinesio “golpear”, que es el simple sonido del golpeteo de un hueso contra otro sobre la piel, en su definición moderna que quiere decir: “marca hecha con un instrumento afilado", "marca para reconocimiento hecha en la piel de un esclavo o criminal" y "marca de culpabilidad". El tatuaje egipcio estaba relacionado con el lado erótico, emocional y sensual de la vida. Se caracterizaba por sus diseños en color negro semejantes a diseños tribales actuales, y que en otras culturas los animales son el tema más frecuente, asociándolos con magia, protección y el deseo de identificarse con el espíritu del animal.

Por lo cual para entender un poco sobre este arte tomaremos la opinión de una persona que se haya realizado un tatuaje, para conocer por qué y que lo motivo a realizarlo.

Y así encontramos a Erick Palacio, estudiante de Diseño Gráfico de la Universidad Tecnológica, el cual lleva en su cuerpo una infinidad de tatuajes desde un nombre hasta imágenes interesantes. Según Palacios inicio a tatuarse porque le llamo la atención ver como las personas hacían un arte con su cuerpo y porque además es un medio donde se pueden transmitir sentimientos como cualquier otro arte.

A pesar que lleva muchos tatuajes los que más significado tienen para él es el de unos piecitos de bebé y el nombre de su mamá, porque fueron los que más marcaron un periodo de su vida; por lo que a su criterio el hecho de tatuarse es un estilo de vida para él, además expreso que las personas cuando lo observa con su cuerpo tatuado no se llevan una mala expresión al contrario, reflejan un rostro de admiración y no de rechazo.

Por lo que hoy en día las sociedades deberían de estar al tanto del desarrollo que ha tenido lo que son las artes, y tomar en cuenta muchos criterio que a la vez puede sacar de la ignorancia a muchas personas sobre las artes modernas, como lo es el joven Erick Palacios.

INFLUENCIA DE PICASSO EN EL ARTE DE FERNANDO LLORT

FERNANDO LLORT  Y PABLO PICASSO

En esta ocasión estudiaremos a dos grandes artistas mayormente reconocidos por sus más grandes obras, nos referimos a Fernando Llort y a Pablo Picasso, para comprender un poco a cerca de estos dos artistas detallaremos un poco de cada uno.

 Pablo Picasso es mayormente reconocido por su técnica del cubismo, el cual es una de las artes plásticas que se caracteriza por la utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos. Dicho movimiento surge en Francia y tuvo su apogeo en 1907ny 1914; lo que buscaban los cubistas era descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas, permitiendo una perspectiva múltiple que consistía en reflejar un rostro tanto de frente como de perfil, ambos a la misma vez.

También se caracteriza por la utilización de los colores como el gris y el verde, sobre todo en la primera época del movimiento, aunque con el tiempo se implementaron más colores vivos. Como punto de partida del movimiento podemos señalar “Las señoritas de Avignon” de Pablo Picasso, en 1907. Desde entonces, el cubismo planteó una nueva forma de arte; donde forma, perspectiva, movimiento y espacio eran protagonistas pero eran comprendidas de una forma estética muy diferente a la hasta entonces conocida. Se trataba de un arte mental, es decir que se desliga de la interpretación o la semejanza a la naturaleza. Analizando el cuadro: “Las señoritas de Avignon” de Pablo Picasso, encontramos que priman dos aspectos: el primitivismo y la disgregación espacial:

El primitivismo se ve en el rostro de estas mujeres y en el uso de la combinación de El primitivismo de los rostros tiene una doble vertiente: las dos figuras de la derecha muestran una relación más clara con la escultura negra, sobre todo de corte oceánico, mientras que las dos centrales y la de la izquierda nos llevan a la estatuaria ibérica. El interés de Picasso en este tipo de arte radica en el sentido totémico y las formas simplificadas. Picasso traduce una aproximación romántica hacia estas obras pues no se queda en los rasgos estilístico, hay un elemento de expresividad, en el fondo estos rostros tienen algo de máscaras y como tal pasan a ser objeto de culto, parte de un rito. 

Para Picasso el arte primitivo es algo emocional, por eso traspasa los límites de la forma, estas máscaras nos producen una sensación de miedo, excitan el sentimiento y es el aspecto que a Picasso le interesa destacar en este cuadro. En este primitivismo estaría recogiendo lo que de misterio y salvaje encontramos en el arte oceánico. Colores: ocre-rosado y azul claro.

La disgregación espacial va a traer como consecuencia que el cuadro deje de ser la narración de una historia y pase a ser la construcción de objetos que se ofrecen a nosotros. La unidad del cuadro tiene que venir dada por el espectador, es nuestra mirada la que los reúne y la que le da sentido. Picasso introduce diferentes puntos de vista en atención a una composición autónoma respecto de la percepción naturalista: la figura en cuclillas con el rostro completamente de espalda y dada la vuelta es una postura anatómicamente imposible, la segunda figura de la izquierda, está tumbada y a la vez se la ha levantado.

Pero ahora detallaremos el estilo artístico de Fernando Llort, los colores y los trazos lo identifican. Es un artista multifacético por su variedad de técnicas con las que expresa su manera de hacer arte. Sus trabajos son muy atractivos, llamativos y transmiten un sentimiento que presentan a El Salvador como un lugar con mucha riqueza artística y cultural.

Básicamente Fernando es muy diferente al arte de Picasso porque en este caso Llort busca dar un giro a la simetría y dejar aún lado los colores oscuros y tristes, pues toma el ejemplo de su papá que en el periodo de guerra el nunca dejo de pintar con colores alegres para mantener la esperanza en las personas y no ver las deprimidas.

Para Fernando Llort su técnica se basaba en términos geométricos, religiosos, y de paisajes, para pero no tanto como Picasso, que el en una figura quería reflejar los diferentes ángulos en que se podía presentar una persona.

RUTA DE GAUDÍ COMPARADO CON LA IGLESIA EL ROSARIO

LA RUTA DE GAUDÍ Y LA IGLESIA EL ROSARIO

Antonio Gaudí y Cornet (Reus 1852-Barcelona 1926) es una de las personalidades más originales y complejas del panorama de la arquitectura española de los primeros años del siglo XX.

Este hombre de carácter difícil, austero y hasta descuidado en su manera de vestir, parece que tan sólo sintió interés por su trabajo, al que se entregó con auténtica pasión. Poco amigo de notoriedades, realizó la mayor parte de su obra en Barcelona, donde terminó sus estudios de arquitectura en 1878. Su obra, profundamente marcada por su original personalidad, se puede situar en la corriente historicista de finales del siglo XIX y en el modernismo de comienzos del siglo XX. 

Ahora bien, tanto en un estilo como en otro, Gaudí fue capaz de darle a su obra un sello propio que bien merece el calificativo de gaudiniano. Su trabajo, marcado por el peso de la arquitectura del pasado (según el propio Gaudí la originalidad debía consistir en volver al origen) está repleto de anticipaciones, de soluciones nuevas, de atrevimientos geniales y, en definitiva, de una notable modernidad. Es por esa mezcla entre lo pasado (el gótico, el mudéjar, el barroco) y lo moderno (lo orgánico, la abstracción, el concepto de diseño) por lo que la obra de Gaudí es difícil y por lo que la grandeza de su trabajo no se ha reconocido en su justa medida hasta época muy reciente, aunque ya en 1910 se celebró en París una exposición que recogía su quehacer como arquitecto.

Por lo general podemos comparar la ruta Gaudí. Ya que  en el centro histórico de San Salvador  se encuentra la iglesia El Rosario. Su moderna edificación data desde 1971 y fue hecha por el arquitecto y escultor Rubén Martínez.  Los vitrales de distintos colores recalcan el estilo europeo de la iglesia; en cuyo interior descansan los restos de los hermanos Aguilar, próceres de la independencia de El Salvador.

Básicamente este sitio histórico nos plantea como la ruta de Gaudí es utiliza en nuestro país, debido a que este artista hace referencia a los movimientos del Barroco, el Gótico, y lo que hace que esta iglesia sea totalmente diferente son sus vitrales y la forma en que esta edificada su estructura.

Porque al entrar a la iglesia lo primero que percibes es la iluminación del lugar ya que solamente cuenta con la luz que entra a través de los vitrales, sin embargo la nueva edificación de este lugar  permite dar un toque moderno en si al país aunque cuente con movimientos del siglo pasado esto permite generar nuevas expectativas.

Por lo que ambos  lugares en si son casi de la misma idea similitud porque la ruta de Gaudí es totalmente fascínate como la iglesia, ya que en ambos encontramos infinidad de adornos como en la iglesia, por lo tanto la ruta Gaudí ha llevado su influencia hasta la infraestructura salvadoreña (iglesia el rosario).

EL NEO-ROMANTICISMO SALVADOREÑO

¿ES BUENO O MALO EL NUEVO ROMANTICISMO SALVADOREÑO?

Para poder contestar esta pregunta primero debemos de estudiar el concepto de romanticismo: ya que fue un movimiento artístico, literario y cultural que tuvo su inicio en Inglaterra y Alemania a fines del siglo XVIII, y se extendió a otros países de Europa y América durante la primera mitad del siglo XIX. Además marco una ruptura con la ideología de la ilustración y el neoclasicismo.

Sin embargo el termino romanticismo en el siglo XVII se utilizaba para describir las emociones que despiertan los aspectos agretes y melancólicos de la naturaleza, así también como sinónimo de algo increíble e inverosímil. En cambio en la literatura y las artes de la época, el adjetivo era antónimo del estilo clásico y grecolatino, un ejemplo puede ser la literatura medieval y barroca.

Algunas de sus características son: que expone una nueva actitud ante la vida, caracterizada por la exaltación del YO  ante cualquier traba o precepto, estimula una individualidad la cual genero una tremenda ansia de libertad, donde el hombre romántico hace de la rebeldía una verdadera norma de conducta.

Teniendo definido el concepto del romanticismo podemos hablar ahora sobre el neo-romanticismo, lo cual es un movimiento amplio de cruzar fronteras artísticas que dieron más importancia a la  representación de los sentimientos internos; surgiendo de una reacción del naturalismo en el siglo XIX el cual se remota en la época del romanticismo; convirtiéndose entonces una reacción al modernismo y pos-modernismo.

El neo-romanticismo surge en Gran Bretaña aproximadamente en el año 1880, pero más tarde se desarrolló en otros lugares del mundo, incluyendo Europa del Este, América e incluso la India, cubriendo en las áreas de la literatura, música y la pintura. 

Lo que diferencia el romanticismo del neo-romanticismo, es que este expresa un sentimiento fuerte como el terror, el temor, pero también amor. Este movimiento buscó revivir el romanticismo y el medievalismo, promoviendo el poder de la imaginación, lo exótico y lo desconocido; además incluye las experiencias sobre naturales.

Las emociones humanas son tan importantes como lo sobrenatural. Neo-romanticismo buscaba promover las ideas como el amor perfecto, la belleza de la juventud, los héroes y las muertes románticas. Estos incluyen las tradiciones románticas de Lord Byron.

En términos de estilo, pinturas tienden a virar hacia el histórico y el natural. Hubo un movimiento consciente e intelectual fuera de la maquinaria feo de la revolución industrial y hacia la belleza simplificada de una época pasada. La mayor parte de esto fue la nostalgia mezclada con fantasía, ideas del pasado despojado de sus sombrías realidades.

Entonces surge la pregunta ¿es bueno o es malo el neo-romanticismo?, en si no podemos decir que es malo ya que como se expresa en los párrafos anteriores, este movimiento busca la expresión de un sentimiento ya sea de terror o de amor, eso va a depender de lo que se desea dar a conocer el artista, el músico, el arquitecto, el poeta. Por cual razón no puedo decir que el neo-romanticismo es malo, además en nuestro país tomo parte importante en la arquitectura, la música, pinturas y dejando en nuestro país una variedad de sitios históricos con infinidad de detalles y acabados de los diferentes movimientos.

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO COMPRADO CON EL PRIMER GRITO DE LA INDEPENDENCIA

DIFERENCIAS Y SIMILITUDES DEL CUADRO DE LA LIBERTAD GUIADO AL PUEBLO Y EL PRIMER GRITO DE LA INDEPENDENCIA

Para poder encontrar las diferencias y las similitudes de ambos cuadros es importante conocer un poco de la historia de cada uno de ellos ya que  el tema del cuadro “la libertad guiando al pueblo”, es la insurrección burguesa que tuvo lugar en el año de 1830 (denominadas «las Tres jornadas gloriosas»). Es una de las revoluciones burguesas, y más concretamente la que puso fin al terror blanco tras los dieciséis años de restaurada la monarquía borbónica, encarnada en el ultraconservador Carlos X, que fue expulsado del trono y sustituido por Luis Felipe de Orleans, el llamado Rey burgués, con lo que se consumó el acceso al poder de la burguesía liberal, aunque no se instauró la república. Delacroix estuvo del lado de los revolucionarios, es más, él mismo se ha representado en el cuadro como el hombre que lleva el sombrero de copa negro y que se encuentra entre los combatientes y en primera fila.

En el cuadro ve una estructura en posición de pirámide con los muertos por la Libertad en la base y ésta en la cima sosteniendo en la mano derecha la bandera tricolor y en la extremidad opuesta un fusil. El ligero pincel de Delacroix y la fuerza luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros. Para aumentar la tensión y el movimiento añadió contrastes complementarios junto a la oposición de los claroscuros, mientras tanto en  la utilización de los colores busca transmitir un sentimiento emocional y el ánimo de las personas, mostrando al fondo un París tormentoso.

Mientras tanto al otro lado del mundo sucedía otro movimiento similar al de Francia. Lo que se conoce como "Primer Grito de Independencia", no fue un hecho aislado, sino más bien, el acontecimiento más publicitado, por el hecho de haberse realizado en la capital, de una serie de levantamientos realizados el 4, 5 y 6 de noviembre de 1811 en San Salvador, San Pedro Grande y Santiago Nonualco, el día 17 en Usulután, Chalatenango y Tejutla, el 20 en Santa Ana, el 24 y el 30 en Metapán y Cojutepeque y el 20 de diciembre en Sensuntepeque. Numerosos próceres desconocidos fueron capturados y encarcelados por el régimen español sin que podamos siquiera conocer sus nombres para la posteridad.

Con ocasión del levantamiento en San Salvador el 5 de noviembre, cuando el P. José Matías Delgado hizo sonar las campanas de la iglesia de La Merced para levantar al pueblo, el Gral. Manuel José Arce, fundador del Ejército salvadoreño, pronunció su famosa frase: "No hay ni rey ni Capitán General, solo debemos obediencia a nuestros alcaldes".

El papel de los próceres que aparecen como los dirigentes del movimiento insurreccional, fue más bien de tratar de canalizar y apaciguar los ánimos de las turbas capitalinas ante la posibilidad de obtener ciertas concesiones de la Corte de Cádiz que había convocado a las colonias españolas ante el asedio de que estaba siendo objeto España por parte de los ejércitos napoleónicos.

DIFERENCIA ENTRE GRECO Y BOTERO

DIFERENCIA ENTRE GRECO Y GOTERO

Doménico Theotocópuli, conocido como Greco, nace en Candía (Greta) en el año 1541. El estilo Greco, además de excepcional  es el resultado de la asimilación del manierismo. Utilizando en sus pinturas los colores planos como el amarillo, verde o morado, por ejemplo en el Expolio desaparece el escenario y es la explosión de la túnica de Jesús, contrastando con el acero de las armaduras del resto de los personajes que permite darle vida al cuadro.

También encontramos otro cuadro donde refleja la complejidad de sus obras como el entierro del conde de Orgaz, pues en la parte inferior representa el momento milagroso en que el Conde Orgaz iba a ser enterrado y aparecen San Esteban y San Agustín que lo cogen para enterrarlo.

El Greco representa a los que presencian tal milagro sin asombrarse. Todos son retratos de personajes importantes del momento, entre ellos está su propio hijo que mira al espectador y señala el milagro.

La composición es simétrica con agobio espacia, donde no hay paisajes. La expresión de los rostros es acorde con los gestos. La influencia veneciana se aprecia en el color y las calidades de los objetos.

El Greco muestra una técnica pictórica extraordinaria, como se aprecia en la dureza de la armadura, la juventud de San Esteban y la vejez de San Agustín. De hecho sorprende el magnífico contraste del rostro viejo y demacrado, pero con vida, de San Agustín, y del muerto, con su lividez y quietud. En la parte superior el Greco muestra La Gloria.

Sin embargo también encontramos a Fernando Gotero pintor Hispanoamericano; nació en Medellín en 1932, Fernando Botero fue el segundo de los tres hijos de la pareja formada por David Botero Mejía y Flora Angulo de Botero.

El rasgo más peculiar de su personalidad creadora, que hace fácilmente reconocibles sus cuadros, es su particular concepción y expresión de los volúmenes: hace que las figuras protagonistas de sus lienzos sufran un agrandamiento que resulta desmesurado para el reducido espacio pictórico en que se las hace habitar. La imagen deformada que lleva su pintura al terreno de lo grotesco es el componente de humor crítico que expresan sus lienzos. Conjugando gigantismo y humor, sus monstruos sobrealimentados, de vientres hinchados y actitudes rígidas, son una crítica sarcástica a la sociedad actual. Por otra parte, esta pintura de lo feo se combina con un gran virtuosismo técnico, percibiéndose en el trasfondo de sus obras la pintura de Velázquez y de Goya.

Para comprender la diferencia entre ambos artistas, es que Greco estiliza la figura para que se vea que el espectador es más pequeño, como la dimensión de dios, ya que sus temas son de ámbito religioso.

En cambio Gotero la estiliza la figura, de una manera diferente, pues la belleza para él son las figuras gordas ya que está basado en sus raíces colombianos, pero también ve las figuras de los olmecas y otras culturas suramericanas partiendo de su canon de belleza que son mujeres de cuerpo voluminosos.

A diferencia del greco que es plenamente religioso donde su arte es basado en figuras religiosas, el Botero pinta temáticas cotidianos y dibuja a personas normales del pueblo, sobre toda gordas.

LEONARDO DA VINCI Y BOSCO DIFERENCIA Y SIMILITUDES

DOS MARAVILLOSOS PINTORES: LEONARDO DA VINCI Y BOSCO

El pintor holandés Jerónimo Bosch, El Bosco (aprox. 1450-1516),  en medio del clima artístico con tendencias realistas del gótico tardío y el Renacimiento temprano, constituyó una extraordinaria anomalía. Sus pinturas están pobladas de escenas grotescas protagonizadas por seres fantásticos que sucumben a toda índole de fantasías, angustias y anhelos humanos. Una de sus grandes genialidades fue tomar las representaciones figurativas y escénicas conocidas como drolleries, que utilizan monstruos y seres grotescos para ilustrar los pecados y el mal, y trasladarlas de los márgenes de los manuscritos miniados a pinturas en retablos de gran formato.

Sin embargo el Bosco supo traducir en figura y color contenidos semejantes a los que abundaban en la literatura de su tiempo, sus obras son de temática religiosa interpretadas con gran fantasía e iconografía demoniaca, relacionando motivos astrológicos, de folklore, brujería y alquimia, así como el tema del anticristo y episodios de las vidas de santos ejemplares mostrando la preocupación por la inclinación del hombre hacia el pecado, desafiando a Dios, la condena eterna a las almas perdidas en el infierno, como consecuencia de la locura humana.

Junto con los híbridos tradicionales de hombre y bestia, como los centauros, y criaturas mitológicas como unicornios, diablos, dragones y grifos, encontramos también incontables monstruos surgidos de la imaginación del artista. Muchas escenas secundarias ilustran proverbios y frases hechas de uso común en tiempos de El Bosco. En el tríptico La tentación de san Antonio, por ejemplo, el artista retrata al demonio mensajero calzado con unos patines de hielo, reflejo de una expresión popular: el mundo «patinaba sobre hielo», es decir, se había desviado del camino correcto. El Bosco fue especialmente innovador en la traslación pictórica de proverbios.

Sin embargo también encontramos a otro fascinante pintor y nos referimos a Leonardo da Vinci nació en Vinci entre Pisa y Florencia en 1452 muerto en  Amboise en 1519. Toda curiosidad intelectual del renacimiento, su entusiasmo por la belleza y la ciencia junto con otras cualidades de genio  ya que fue uno de los grandes de todos los tiempos. Su importancia e influencia son inconmensurables.  

Leonardo fue además un gran teórico que no deja expuestas sus doctrinas en su tratado de la pintura. Por lo que busca la fluidez de la envoltura y rompe con la manera seca y angulosa de los primitivos. En él, la exactitud del dibujo y el impecable refinamiento de la línea se completan con el arte de envolverlas con el fundido del modelado y el claroscuro.

Por lo que sus obras más reconocidas tenemos: Virgen con el niño, La Santa Cena, Virgen de las Rocas y la más reconocida Gioconda. Para comprender un poco más sobre estos dos maravillosos pintores, encontramos que ambos comparten las similitudes de los temas religiosos, partiendo desde Leonardo que su primera obra fue un ángel, mientras que el Bosco lo resumía en su obra El Jardín de la Delicias donde expresa lo grotesco, aunque para que el Bosco pudiera pintar en la iglesia debía hacerse pasar por religioso sino la iglesia lo quemaría.

La tecnica que Leonardo utilizaba para poder hacer sus obras era que el primero estudiaba la anatomía del cuerpo de las personas ya fallecidas es  decir que el abría los cuerpos para estudiar un poco más el cuerpo humano pues buscaba la belleza  hacia las deserciones del cuerpo y así poder cortarlos en sus pinturas, prácticamente guarda sus apuntes en la colección Windsor, Londres. Mientras que Bosco solo pintaba lo grotesco. Por lo que suelen diferenciarse un poco.

Básicamente ambos pintores usaron su mejor técnica por lo que hoy en día son muy reconocidos, por sus mayores representaciones, ambos artistas supieron llevar el arte a otro nivel donde ningún otro artista había llegado.

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